Aigner, C.: Leopold Kogler

seiner neuen Arbeiten. Lichtempfindliche Emulsionen werden auf Zeichenpapieren aufgebracht, darauf speziell bearbeitete botanische Gegenstände flach aufgelegt und über längere Zeit dem direkten Sonnenlicht ausgesetzt.Mit dem darauf folgenden Malprozess mit Acryl und Öl erfolgen erste bildnerische Akzentuierungen des Botanischen, worauf wiederum weitere Pflanzenteile gelegt und der Sonne ausgesetzt werden. Durch mehrfache Wiederholungen dieser Bildprozesse entstehen Farbbildräume von einer luziden Suggestivität, in der die botanischen Elemente zu schweben scheinen.Anders wie bei den Lithografien des Zoologen Ernst Haeckel, der den "Kunstformen von Natur" vor allem bei verschiedener Strahlentierchen nachspürte oder dem Photographen Karl Bloßfedt mit seinen "Urformen der Kunst", bei denen er im Botanischen sogar glaubte, Architekturformen etwa der Gotik finden zu können, indem er von "künstlerisch-architektonischem Aufbau" und von einem "ornamental-rhythmisch schaffenden Urtrieb" schrieb (und dabei durch Zurechtschneiden von Pflanzen und deren Vergrößerungen manipulativ dies nachzuweisen versuchte), scheint Leopold Kogler unmittelbar an das Naturphänomen der Photosynthese bildnerisch anzuknüpfen, also an die botanische Energiegewinnung durch Sonnenlicht und den daraus resultierenden chemischen Effekten. Er schafft damit gewissermaßen eine botanische Photosphäre, in der die Pflanzen wie in ein Licht gehüllt erscheinen. Durch die wiederholte Erweiterung der bloßen pflanzlichen Lichtabbildung mittels Malerei wird ein fast kosmischer Raumimaginiert, in dem die botanischen Elemente selbst zu floralen Sonnengebilden werden und manchmal den Eindruck erwecken, es seinen Milchstrassen oder andere ferne leuchtende Himmelskörper.War in den letzten Jahren in spezifischer Weise die Natur als Landschaft Thema der Malerei von Leopold Kogler, so sind es nun botanische Sujets, die seine Auseinandersetzung mit Natur in neuer Weise zeigt. Die photochemische Erweiterung seiner Malerei ist dabei ebenso ein Schritt in ein neues Terrain wie die daraus entwickelte zunehmende Komplexität des Bildnerischen in Form von Bildschichtungen und -überlagerungen. "Ich hoffe, dass es denjenigen, die an der Sache Anteil nehmen, gegenwärtig bleibt, dass ich mit dem, was ich bislang erreicht habe, nicht den Anspruch erhebe, eine Kunst zur Vollendung gebracht zu haben, sondern eine Kunst begonnen zu haben, deren Grenzen man zur Zeit noch nichtmit Sicherheit bestimmen kann", schreibt Talbot 1939 an die Literary Gazette.1 Wir dürfen wohl davon ausgehen, dass Leopold Kogler erst die ersten Schritte mit den neuen Lichtarbeiten zu setzten begonnen hat.Hartwig Knack. Landschaftsdarstellung und Naturbetrachtung sind die zentralen Punkte in Leopold Koglers Malerei. Die Auseinandersetzung mit der Weite von Landschaft einerseits und der detailgenauen Schilderung von Naturdetails andererseits faszinieren den Künstler. Für Kogler stellt ein gemaltes Bild die Transformation von Wahrgenommenem dar, das Herausbilden einer subjektiven Sicht auf die Welt.Die Gemälde und Papierarbeiten Leopold Koglers stecken voller Zauber und mystischer Stimmung und erinnern in ihrer meditativen Anmutung an asiatische Malerei oder Landschaften aus der Zeit der deutschen Romantik. Durch seine tiefe Verbundenheit zur Natur, gelingt es Kogler atmosphärischeRäume zu schaffen, die unsere Sinne in Bewegung setzten. Immer wieder interpretiert er Gegenden und Stimmungen seiner Heimat Niederösterreich. Dabei geht es ihm nicht um eine getreue Wiedergabe von Naturerscheinungen, sondern eher um den Widerschein der Natur in seinem persönlichen Empfinden. So erhält die ausgestellte großformatige dreiteilige Leinwand, die letzte Arbeit aus der Serie der "Horizonte",unvermittelt symbolischen Charakter und weist weit über sich selbst hinaus. Kogler verwandelt die in einem Schleier von Licht und üppigem Blau nahezu aufgelöste Landschaft in einen kontemplativen Energiebereich und erweitert auf diesem Wege in vielerlei Hinsicht das Empfindungsvermögen alljener, die staunend vor dem Werk innehalten.Landschaftsraum konstituiert sich bei Kogler zu einem Bewusstseinsraum oder einer Art Zwischenraum, der im Japanischen mit MA bezeichnet und als philosophisch-spirituelle Dimension definiert wird. Ähnlich wie die dunstig- kraftvollen Naturszenen des englischen Künstlers William Turner sind auch Koglers Motive zwischen Figuration und ephemerer Ungegenständlichkeit einzuordnen. Sein inneres Empfinden scheint in den Bildern gleichsam nach außen gekehrt, Verborgenes offenbart sich in einem diffusen Licht. Nina Pernod. In der Chemie werden bei der Aggregatszustandsänderung der Elemente teilweise große Energien freigesetzt. Die Übergänge von Sein zu Nichtsein und ihre Unschärferelationen, vom Himmel zur Erde und umgekehrt, stehen im Zentrum des Bildzyklus "Fernsichten" von Kogler. Auch dies sind Zustandsänderungen der Elemente: Wasser verdampft, steigt zum Himmel. Der expressive Pinselduktus sowie die ebensolche Farbwahl verdeutlichen die Freiwerdung von Energie bei diesen Übergängen, die Kogler geschickt in die Horizontlinie einer imaginären und dennoch erlebbaren "Landschaft" gepackt hat.Ob nun der Übergang vom Meer zum Himmel oder umgekehrt dargestellt wird, steht nicht im Zentrum. Das Sein und das Nichtsein finden sich im Spiegelbild wieder: Jedweder Zustand hat seine Eigenart und gehört zum großen Ganzen: dem Lebenszyklus des Menschen. Er ist gleichzeitig auch Teil der formalen Erschei nungs formen der Natur. Die Bildsprache und die formale Wahl des Genres gemahnen an die großen romantischen Koloristen. Das Auge des Betrachters spürt förmlich die freiwerdende Energie dieser steten Übergänge und Unschärfen. Das Sein und das Nichtsein sind nicht nur schwarz oder weiß, sondern kunterbunt, einander ähnlich, gespiegelt.