Oskar Koller - Der Graphiker

< er auch in seinem späteren lithographischen Werk die Blüten - dabei wurde das Schwarz dünn und zärtlich, mit feinen Linien umfloss es die Konturen der Blüten. Und wie ein vorgezogener Frühling, wie die erahnten, die erinnerten Sommerfarben, waren die abschließenden Farbtupfer der Aquarellfarben, mit denen Oskar Koller die Lithographien vollendete. In diesen Lithographien vereinten sich die Mittel des Aquarells und die der Zeichnung.

In meinen Kinder- und Jugendtagen begleitete ich meinen Vater oft beim Drucken. Manchmal - zugegebenermaßen, gar nicht so gerne, da ich stattdessen lieber beim Fußballspielen mit meinen Freunden meinem Bewegungsdrang nachgekommen wäre - half ich ihm beim Nadeln und beim Wischen. Und ganz nebenbei habe ich viel gesehen und viel gelernt. Dieses Wissen war mir später bei der eigenen Druckgraphik sehr hilfreich.

Den Menschen zugeneigt, sozial und gesellig, worüber schon oft geschrieben und berichtet wurde, hat der Maler Oskar Koller die Natur als den Quell und die Inspiration seiner Bilder betrachtet. Auch wenn er in der Auslotung der Bildmöglichkeiten oft das Gegenständliche schon fast verlassen konnte, kehrte er doch wieder zum Primärerlebnis der Naturanschauung zurück. Die scheinbaren Wiederholungen und Variationen des gleichen Motivs entsprechen dem beharrlichen Schöpfen aus dieser Basis. Die Natur, das Naturerlebnis und die daraus resultierenden Erfahrungen blieben die Referenz seiner Bilder.

So zeigt sich in seinen späten Blumenbildern und vor allen in den Blumenlithographien, im gewachsenen Vertrauen zu seinen eigenen künstlerischen Mitteln, in der zunehmenden Sicherheit des Blicks und der Hand, in der Erfahrung und in der Beherrschung der Technik, dass er sowohl die Vase als auch den Topf, sowohl den Vordergrund als auch den Hintergrund weglassen konnte und im Glauben an die "innere Wahrheit" der Blume, wie er es selbst nannte, seine Mohnbilder so einfach und so beeindruckend gestalten konnte. Der rote Fleck, die Gestalt der Blume, war ihm Bild genug. Hier wurde das verinnerlichte Erlebnis der Blume zu dem äußeren Sichtbarsein des Bildes.

Die Mohnblume, in den Bildern seiner späteren Jahre, kam einer Entdeckung gleich. In dieser Blume hat Oskar Koller das gesehen, was ihn schon immer an den Blumen fasziniert hat: das Leuchtende der Farbe, das Fragile der Gestalt und das Zeitliche. Ist nicht gerade das Vergängliche, das im Blick Vergehende gerade das Schönste? Zwingt uns die Zeit, die das Zweidimensionale sprengt, nicht zu äußerster Abstraktion? Im Spannungsfeld zwischen der Verpflichtung an das Schöne, das Gegenständliche, zu dem Oskar Koller sich bekannte, und der von ihm tief empfundenen "geistigen Wirklichkeit" hinter den Dingen entsteht als Bild die zeichenhaft anmutende Blumengestalt.

Dieses ihm eigene, einerseits reduzierende, anderseits den Ausdruck verstärkende Verfahren zeigt sich auf andere Weise in der Beschäftigung mit dem zweiten zentralen Thema in Oskar Kollers Werk, in den Bildern der Gestalten. Früher oft detailliert porträtiert, dann alleine oder in Gruppen, noch später als Teil einer Menge, wurde die Darstellung der Menschen immer entpersonifizierter. Hier ging er nicht nur in der malerischen Form >abstrahierend< von dem Bildnis des konkreten Menschen aus, sondern vor allem in der Auffassung vom Bildmotiv. Die Menschen wurden nicht nur zu Bild-Figuren, sondern zu Bild-Gestalten. So nannte er seine Blätter z.B. Sitzende, Gestalt vor Gelb oder Drei-Gestalten. So auch in den Lithographien der späteren Jahre. Hier bildeten vor allem die Einzelgestalten bzw. kleine, klar umrissene Gestaltengruppen den Schwerpunkt des Interesses von Oskar Koller.

Im druckgraphischen Vorgehen gab es zwei Richtungen: farbige Lithographien in größeren Auflagen und schwarz-weiße Lithographien mit Aquarell in kleineren Auflagen.

In den schwarz-weißen Lithographien konzentrierte sich Oskar Koller auf jeweils einen Bildgegenstand. Das Ergebnis waren fein gezeichnete Lithographien in kleinen Auflagen, die im Nachhinein auf verschiedene Weise mittels Aquarellfarben koloriert wurden. Im Unterschied zu den in früheren Jahren entstandenen schwarz-weißen Lithographien, die entweder schwarzweiß belassen oder bestensfalls als ganze Auflage koloriert wurden, entstanden später Bilder, in denen Oskar Koller das gedruckte Schwarz wie eine Vorlage verwendete. Oft entstanden einzelne Blätter, die Oskar Koller als "1:1-Auflage" bezeichnete bzw. mit "Übermalung" betitelte und wie reine Aquarelle behandelte.

In großen Auflagen entstanden lithographische Werke hauptsächlich mit Gestalten (z.B. der Indien-Zyklus), die mit vielen Farben flächig übereinandergedruckt wurden. Ebenso große Lithographieauflagen bestanden aus den Blumenbildern (z.B. die Mohn-Variationen), die in wenigen Druckvorgängen mit einer auf klare und kräftige Farben reduzierten Palette hergestellt wurden. Hier hat Oskar Koller seine Erfahrungen, die er sowohl in der Aquarell- als auch in der Acrylmalerei gemacht hat, beim druckgraphischen Verfahren angewendet.